Alberto Lacasa

Reflexiones sobre televisión y cine

Date archives julio 2010

guion y cine

Catarsis vs. efecto V

catarsis

Seguro que alguna vez habéis oído hablar de la catarsis porque tenéis un amigo freak al que le gusta el cine (o cualquier arte narrativo en general) o porque lo estáis estudiando. Es posible que no os haya acabado de quedar claro qué significa y por qué se utiliza. Menos probable es que hayáis oído hablar del efecto V. En todo caso, miraré de ayudaros.

Hagamos un viaje a la antigua Grecia para comprender qué es la catarsis. Eres un simpático o simpática ateniense que decide ir al teatro. Mientras vas por el camino piensas en que tu hija preadolescente ya empieza a salir con chicos y no te hace ninguna gracia. Estás pensando en prohibirle salir una temporadita hasta que se le pase el celo. Cueste lo que cueste.

Te sientas a ver la obra. Orgulloso/a con tus entradas en la mano para ver El increíble y espectacular mito de Perseo escrito por el mayor dramaturgo moderno: Homero, esperas que apaguen las luces. Y sube el telón…

Cuando empieza la historia, al rey de Argos, Acrisio, los oráculos le dicen que su nieto le matará. Asustado por la predicción, decide encerrar a su hija Danae. Y piensas: anda como yo. Y comprendes que tú harías lo mismo. De hecho, estás a punto de hacerlo con la tuya propia. No ibas a permitir que la muy insensata tuviera un hijo que luego te matara. Y te identificas.

Pero claro, Zeus, que todo lo puede, descubre su belleza. Y, como quien no quiere la cosa, se mete en el cuarto cerrado y la deja embarazada de Perseo. Así que, por culpa que tu hija es ligera de cascos (literalmente se lleva a la cama el primero que ve) y que Zeus es un mujeriego, tú tienes en riesgo tu vida. Así que, ni corto ni perezoso, Argos los tira al mar. Pero consiguen salir y, con el tiempo, la predicción de los oráculos se hizo cierta.

Mientras vuelves a casa, la cabeza te da vueltas. La que lía Argos por encerrar a su hija y luego, intentar matarla. ¿Y tú quieres hacer lo mismo? Sería un error hacer lo mismo porque ya se sabe que los dioses encontrarán la manera de burlarte. Así, tu hija no verá su libertad cohartada…

Todo este rollo es para explicar que Aristóteles se dio cuenta que los espectadores tendemos a identificarnos con lo que pasa en el escenario. Las obras de teatro trataban de parecerse a la realidad. A eso lo llamó mímesis. Y la mímesis provocaba que el espectador se sintiera tal y como se sentía el héroe. Y eso provoca que, cuando llega el momento clave de la historia, los espectadores sacan conclusiones válidas para su propia vida. Lo que vendría a ser una buena lección… Y ese aprendizaje solía suceder en el momento más dramático de la obra, cuando el héroe es castigado por sus pecados. De esta manera, la gente podía experimentar las graves consecuencias de tomar una mala decisión pero… ¡sin necesidad de sufrirlas! Todo un chollo…

Así, en el mito de Perseo, el momento en el que el nieto mata al abuelo se produce lo que conocemos por catarsis. De alguna manera, Aristóteles nos dice que, como hemos vivido las consecuencias de la mala decisión, de alguna manera, ya hemos sufrido sus consecuencias. Ya hemos pagado por ello. Algo parecido a redimirnos. Así, la catarsis se convierte en una especie de proceso depurador de errores. Un proceso purificador.

¿Se ha entendido? Porque para entender el efecto V hace falta entender lo que es la catarsis. ¡Pues sigo!

A principios del s. XX, un dramaturgo alemán llamado Bertolt Brecht, se preguntó qué pasaría si, en vez de buscar la identificación total del espectador (o sea, la mímesis y su consecuente catarsis), el autor buscara todo lo contrario. Es decir, que el espectador tomara conciencia de que está viendo una ficción. Qué sucedería si el espectador fuera despertado de la ensoñación que provoca una ficción y se le avisara de que lo que ve es mentira.

A eso se le llama efecto V, aunque también recibe el nombre de distanciamiento brechtiano o, simplemente, distanciamiento narrativo. Bueno, como teoría puede parecer muy interesante. Pero, ¿cómo se traduce eso luego a elementos narrativos? Pues con cualquier cosa que, por regla general, no forme parte del desarrollo normal de una historia.

En una película, los más evidentes son los casos en los que el personaje se dirige a cámara directamente. Ya sea sólo con una mirada o interpelando al público.  No hace demasiado hice un post sobre Michael Haneke y hablaba sobre este tipo de elementos, ya que es muy recurrente en su cinematografía.

Hay otras fórmulas intermedias que, de alguna manera, también avisan al espectador que lo que está viendo no es real. En el caso del cine gore, es evidente el uso de sangre artificial. No busca ni pretende que parezca cierto.

Todavía más sutil podría ser el uso del zoom. Nosotros podemos “recrear” casi todos los movimientos de cámara con el cuerpo. Un travelling es algo parecido a caminar. Nos acercamos a las cosas de forma progresiva y, sobre todo, cambiando nuestra perspectiva del espacio. En cambio, un zoom hace una especie de recorte. Tiene algunas consecuencias ópticas en las que no entraré porque tampoco soy un experto en el tema. Pero el caso es que un zoom rápido es algo que escapa a nuestra percepción “normal”. Por lo que, de alguna manera, el director nos recuerda cuál es nuestro sitio en este juego.

Y la pregunta del millón: ¿por qué hacer esto? Bueno pues… porque sí. Unas veces por el puro divertimento que supone ver que algo es mentira (como en el caso de gore). Otras muchas veces se utiliza para dar a entender al público que la realidad es mucho peor que lo que vemos (como hace Haneke). En otros casos puede ser sencillamente un recurso estilístico.

Creo que son dos de los conceptos más interesantes en narrativa. Se les puede sacar mucha punta. Asumiendo que los finales catárticos son lo habitual, te reto a que, en la próxima película que veas, busques efectos V. O que, por lo menos, trates de identificar algunos de ellos.

Biopic / peliculas / thriller

Mesrine: Parte 1. Instinto de muerte

Argumento. Un joven exmilitar acaba convertido en un delincuente sin escrúpulos dispuesto a todo con tal de asaltar bancos. Primera parte de un díptico.

Breve crítica. Interesante película sobre la historia de un delincuente real de los años 60 y 70. La historia está bien contada y los personajes bien caracterizados y definidos. No siempre es fácil resolver un biopic y en este caso está bien hecho.

Género. Biopic policial.

Director. Jean-François Richet.

Guión. Abdel Raouf Dafri.

Actores/Actrices. Vincent Cassel, Cécile De France, Gérard Depardieu, Gilles Lellouche, Roy Dupuis, Elena Anaya, Michel Duchaussoy, Myriam Boyer, Florence Thomassin .

Título original. Mesrine: L’Instinc de mort.

Año de estreno. 2008.

País. Francia.

documental / peliculas

El secreto

Argumento. Documental sobre el supuesto secreto que ha hecho triunfar a los humanos desde hace 2 siglos.

Breve crítica. Por lo que se refiere al concepto es muy básico. Tiene una estructura muy parecida, si no idéntica, a Y tú que sabes?. El contenido es un panfleto pseudorreligioso bastante infumable y cogido con pinzas.

Género. Documental.

Director. Drew Heriot.

Título original. The secret.

Año de estreno. 2009.

País. Australia.

belico / historico / peliculas

Valkiria

Argumento. Un comandante del ejército alemán decide liderar un golpe de estado para eliminar a Hitler y acabar con la guerra.

Breve crítica. Me ha sorprendido gratamente. Incluso Tom Cruise está bien. Creo que tiene un gran sentido del ritmo y una cuidada estética visual. La historia atrapa desde el primer minuto hasta el último y es casi imposible no emocionarse al final.

Género. Bélico.

Director. Bryan Singer.

Guión. Christopher McQuarrie, Nathan Alexander.

Actores/Actrices. Tom Cruise, Carice van Houten, Kenneth Branagh, Bill Nighy, Eddie Izzard, Thomas Kretschmann, Tom Wilkinson, Terence Stamp, Tom Hollander, Kevin McNally, Christian Berkel, Jamie Parker, David Bamber, David Schofield, Kenneth Cranham, Halina Reijn, Harvey Friedman, Ian McNeicee.

Título original. Valkyrie.

Año de estreno. 2008.

País. USA.

drama / peliculas

Rebeldes

Argumento. Dos amigos de un barrio bajo de la ciudad se ven metidos en un lío cuando, defendiéndose, matan a un chico de una banda rival.

Breve crítica. Como El planeta de los simios, es una película que siempre me había resistido a ver porque me daba pereza. Es la constatación de que la época brillante de Coppola es la de los 70’s porque este film no le llega ni a la suela del zapato a cualquiera de las películas de aquella década. No me interesó demasiado. Me pareció una suma de Lo que el viento se llevó y un peplum.

Género. Drama.

Director. Francis Ford Coppola.

Guión. Kathleen Knutsen Rowell.

Actores/Actrices. Tom Cruise, Matt Dillon, Rob Lowe, C. Thomas Howell, Patrick Swayze, Ralph Macchio, Emilio Estevez, Diane Lane, Glenn Withrow, Leif Garrett, Tom Waits.

Título original. The outsiders.

Año de estreno. 1983.

País. USA.

aventuras / ciencia ficcion / peliculas

El planeta de los simios

Argumento. Un grupo de astronautas es enviado a una expedición a los confines del universo. Su nave aterriza en un planeta donde los humanos son controlados por los monos.

Breve crítica. No la había visto. Siempre me dio mucha pereza y, al verla, mis reticencias se confirmaron. No diré que es una mala película. La idea está muy bien aunque a veces roce lo facilón. Pero me parece una película demasiado sujeta a su final. Un poco lo que yo suelo llamar el “efecto Fincher”, que parece estar condenado a que los finales tengan que ser una gran sorpresa. Heston está bestial, las cosas como son.

Género. Ciencia ficción, aventuras.

Director. Franklin J. Schaffner.

Guión. Michael Wilson, Rod Serling.

Actores/Actrices. Charlton Heston, Roddy McDowall, Kim Hunter, Maurice Evans, James Whitmore, James Daly, Linda Harrison.

Título original. The planet of the Apes.

Año de estreno. 1968.

País. USA.

drama / peliculas

Malas calles

Argumento. Charlie, un joven de NY, se las ve y se las desea para no tener problemas con los matones de su barrio. Aún así, los conflictos serán inevitables.

Breve crítica. Sin duda, una obra maestra. Muy innovadora para su época. Visualmente es increíble. Los colores, el ritmo… Las interpretaciones son fantásticas. Es evidente que se trata de la mejor época de sus dos protagonistas: Harvey Keitel y Robert de Niro.

Género. Drama.

Director. Martin Scorsese.

Guión. Martin Scorsese, Mardik Martin.

Actores/Actrices. Robert De Niro, Harvey Keitel, David Proval, Amy Robinson, Richard Romanus, Cesare Danova, David Carradine, Robert Carradine, Martin Scorsese.

Título original. Mean streets.

Año de estreno. 1973.

País. USA.

Empresa y vídeo online

El valor del directo en la televisión del futuro

Hace años, hacer en televisión un programa en directo era algo muy complejo. Más allá de las noticias, muy pocos programas de televisión se hacían en directo por el enorme riesgo y los elevados costes que esto suponía. Y eso hacía que aquellos programas que sí se hacían en directo, hicieran incapié en ello, recordando al espectador que lo que estaban viendo en sus pantallas ocurría justo en esos instantes.

Eso suponía un enorme prestigio. Parecía que un programa en directo estaba más vivo y era más interesante y real que si se hacía en diferido. Aunque eso sigue siendo así, de alguna manera asumimos como normal que los programas sean en directo. Muchos de ellos lo son. Sin contarlos, diría que son mayoría.

Y entonces llega internet. Se habla mucho de cómo internet rompe las barreras del espacio. Pero es que también rompe las del tiempo. Ya no tengo por qué ver Buenafuente o El diario de Patricia en directo. Puedo verlos por la mañana o cuando llego a casa si es que no estoy en casa cuando empiezan.

¿Qué sentido tendrá entonces hacer programas en directo? El programa diario no estaría asociado a una hora (más allá del momento de colgarlo en la red) y al hecho de que, si está vinculado a actualidad, tendrá una fecha de caducidad muy próxima.

Claro que se muchos de estos programas pueden emitirse en streaming en directo. Pero lo que es seguro es que podremos verlos a la hora que nos venga en gana. Y eso conlleva muchos cambios en la relación entre contenido y telespectador. De la misma forma que Lost es una serie y, en cambio, los lazos que hemos establecido con ella son muy distintos a los que habíamos establecido hasta entonces con cualquier serie, Buenafuente no será lo mismo cuando nos acostumbremos a verlo cuando nos apetezca.

El cambio más drástico que intuyo es que el tratamiento de la actualidad cambiará. Cuando los guionistas de un programa como Buenafuente preparan el guion, saben con qué información llegará el espectador al sofá. Si Millet ha salido ya de la carcel o no, y si el Barça ya es líder de primera división. Pero ahora, puede que la información que ellos traten se haya actualizado. Puede que cuando el espectador mire su tele (o su iPhone, iPad o lo que demonios quiera usar), Millet ya estará otra vez en la cárcel o el Barça habrá perdido la liga (¡ey, espero que no!). Así que la relación entre actualidad y entretenimiento audiovisual podría tomar un rumbo.

Más allá de esos matices, ¿qué sentido tendrá hacer directos con el sobrecoste que eso supone? Yo creo que se reducirá mucho la cantidad. Me atrevería a decir que sólo tienen sentido dos tipos de programas que seguirán haciendo en directo:

– Eventos masivos de interés general. Por ejemplo partidos de fútbol, conciertos, ficciones que trascienden de lo habitual y que se espera que sean grandes éxitos (como el final de Lost o el estreno del último film de Eclipse)…

– Información de noticias. En eso tiene mucho sentido la información 24 horas que va repitiendo contenidos.

Así, de la transición que hicimos del diferido al directo pasaremos de nuevo al diferido. Pero un diferido… diferente. A la carta. De más calidad.

peliculas / thriller

La noche del cazador

Argumento. Un siniestro predicador es encerrado en la cárcel con un tipo que ha robado mucho dinero. Cuando salga, tratará de ganarse el entorno de su compañero de celda para quedarse con el botín.

Breve crítica. Robert Mitchum está espectacular. Su personaje sin entrañas haría temblar al más valiente. La definición que le hace el guion es excelente. La dirección de Charles Laughton es fantástica y el guion, con diálogos, acciones y ritme, espectacular.

Valoración. 8/10

Género. Thriller.

Director. Charles Laughton.

Guión. James Agee.

Actores/Actrices. Robert Mitchum, Billy Chapin, Sally Ann Bruce, Shelley Winters, Lillian Gish, Peter Graves, Evely Varden, James Gleason.

Título original. The night of the hunter.

Año de estreno. 1955.

País. USA.

guion y cine

LA DIRECCIÓN DE ACTORES EN CINE de Alberto Miralles

Cuando estoy dirigiendo un corto hay muchos elementos que hacen adquirir mucha complejidad a su ejecución. Pero diría que las dos partes más complicadas son “¿dónde colocar la cámara?” y “¿Cómo le explico yo a estos actores lo que necesito de ellos?”.

Cuando descubrí este libro lo hice pensando en cómo mejorar mi comunicación con ellos. Cómo conseguir explicar aquello que necesitas para que el resultado sea coherente. En esencia la pregunta es; ¿Cúal es el idioma en el que debo hablarles?

De él esperaba conocer con algo más de profundidad las herramientas de las que se sirven los actores para conseguir lo que quieren. La mayoría están formados en lo que se conoce por Método en sus diversas variantes (Meisner, Actor’s Studio…).

La verdad es que me ha decepcionado. El libro tiene algunas partes muy interesantes, como cuando explica Método de actores y algunas de sus descripciones de los conflictos entre actores y directores. Pero estas descripciones tienden a repetirse varias veces a lo largo del libro. Y, además, hay un mónton de anécdotas reales que pueden tener cierta gracia pero que no aportan nada al tema que se está tratando.

Da la sensación que el libro está inflado para llegar a un cierto volumen de páginas. Y, como lector, se hace pesado.

En fin, no os lo recomiendo.