Alberto Lacasa

Reflexiones sobre televisión y cine

Date archives junio 2009

televisión

Meteorología, imagen y política

Por 25 pesetas, programas de televisión que los políticos aprovechan para adoctrinar; las noticias, un, dos, tres, responda otra vez. Emm… Las noticias… Los programas matutinos de actualidad… En las tertulias, poniendo a más de los unos que de los otros… El tiempo… ¿El tiempo? Pues sí. Resulta que el espacio del tiempo es uno de los que ha generado más debate político desde inicios de la democracia. ¿Por qué? Sencillamente porque se basa en imágenes que son mapas.

mapa-tiempo-etb

Así lo interpretaron los políticos del PNV cuando crearon ETB y decidieron que los planos del tiempo fueran como el de la izquierda de la imagen, incluyendo todo aquello que ellos llaman Euskal Herria, es decir, Euskadi, Navarra y País Vasco francés. Y así lo han interpretado también los del PSE cuando han variado el plano sólo a las tres provincias vascas.

Sé que puede parecer trivial, pero no lo es. Y la prueba es que ha sido una de las primeras decisiones después del cambio de gobierno en la comunidad vasca. En el fondo, tomes la decisión que tomes, condiciona una visión política del territorio. Y el recibir el mensaje diario y constante de una cierta forma de entender el territorio influye, y mucho, nuestra forma de entenderlo.

mapa-temps-tv3

Este debate se produce también en Catalunya. De hecho, Joan Ferran, portavoz del PSC, criticó en su día el mapa del tiempo de TV3. Entraré en más detalles en este caso porque lo conozco mejor. Básicamente TV3 lo que hace es dar el tiempo de Catalunya y después de todo lo que algunos llaman Països Catalans (Catalunya, Comunidad Valenciana, Baleares y Catalunya norte).  No hay (o no suele haber) mapa de España, sino que directamente se muestra el mapa europeo. Si sale el mapa de España es, más bien, el de la península (aunque, como en la imagen de abajo, no salen las temperaturas de Portugal).

mapa-tiempo-tv3

¿Es lógico que TV3 haga esto? En realidad, ellos responden que hace referencia a un mapa lingüístico y a una audiencia a la que se dirigen, ya que TV3 puede verse en todo este territorio hasta hace poco, ya que en la Comunidad Valenciana ahora lo han prohibido. Pero lo acepten o no, la carga política que conlleva es altísima. Y si hacemos lo contrario, ¿desparece la carga política? En absoluto, ya que como decía, seguimos mostrando una forma concreta de ver el territorio. Así, estamos condenados porque no hay un modelo libre de carga ideológica.

El peso icónico que tiene el tiempo en todos nosotros es enorme, y el debate en torno a él seguirá estando allí donde coexistan visiones territoriales antagónicas.

televisión

Lost y el accidente de Air France

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Ayer recibí de una amiga el enlace al famoso vídeo en el que la televisión de Bolivia se come uno de los mayores bulos de la historia de la televisión.

Para los que no estéis situados, nada más se supo la noticia que un avión de Air France se había estrellado en el Atlántico sin saber exáctamente el lugar y habiendo perdido el contacto por radio, muchos de los fans de Lost que conozco (yo incluído) nos acordamos de la serie.

La cuestión es que alguno de ellos sin escrúpulos, le coló dos frames del interior del avión estrellándose como reales. Como es lógico, hubo que inventarse una historia para explicar cómo recuperaron la cámara y roza lo surrealista. Según cuentan, la cámara apareció destrozada en una montaña, pero la memoria estaba intacta. Mediante el número de serie de esta, pudieron comprobar que, efectivamente, pertenecía a un pasajero.

Esto abre el eterno debate de hasta dónde contrastar las fuentes periodísticas. Pongámonos en la piel del periodista que recibe esas “fotos”. Es imposible contrastar toda la historia pero tenemos en las manos un posible bombazo. A todo ello hay que sumarle el miedo al ¿y si lo publica antes la competencia?

En este caso, lo que está claro es que no seguían la serie ninguno de los periodistas porque se reconoce a Evangeline Lilly, la tan querida como odiada Kate Austen de Lost.

Os dejo con un extracto de uno de los episodios donde se estrella el avión para que contratéis la información ;). Ojo si alguien tiene interés en verla, “descubre” demasiadas cosas para mi gusto.

guion y cine

¿Legitimando la pederastia?

No deja de sorprenderme cómo los valores que hoy representan lo políticamente correcto, con el paso del tiempo transmutan y acaban por convertirse en lo pernicioso y casi tabú. No es tanto el hecho en si de que varíen sino que a veces parecemos no darnos cuenta de lo relativo de nuestra moral.

Esta semana me ha dado por recuperar musicales y, entre otros, me entusiasma Hair, sobre el movimiento hippie. Personalmente me encanta. Y es de esas películas que, cada vez que la veo, acabo con la lágrima a punto de caerme.

En ella, por supuesto, se hacen apologías al amor libre, a la libertad, a la paz, la ecología y toda la retahila de valores propios de la época. Una de sus canciones, a ritmo de colocón, se llama Sodomy. Básicamente, es un alegato al amor libre. Y la letra traducida dice así; “Sodomia,/ felación,/ Cunnilingus,/ pederastia./ Padre, ¿por qué estás palabras parecen tan repugnantes? / La masturbación /puede ser divertida,/ Únete a la Sagrada Orgía / ¡Kama Sutra / para todos!”

Con sinceridad, no sé qué percepción real tenían de la pederastia los auténticos hippies, pero sí sé lo que opinan ahora ellos y lo que opinamos toda la sociedad. Pero escuchándola me pregunto qué pasaría si ahora alguien hiciera un musical en el que incluyera un alegato de este tipo a una relación tan denostada por la sociedad. Probablemente se armaría un buen debate y la directa lapidación del creador de la idea.

Alguien podría decirme que, en realidad, la pederastia, según el diccionario de la RAE tiene una segunda acepción; Sodomía, es decir, coito anal. En inglés pasa algo parecido, ya que su significado se restringe, según todos los diccionarios que consulta ask, a la sodomía entre dos hombres cuando uno de ellos es menor. Pero el hecho cierto es que la imagen que todos tenemos en la cabeza (en castellano) es el abuso de menores.

Los lingüistas distinguen entre denotación y connotación. Denotación es aquello que objetivamente significan las palabras. Connotación aquello que ponemos de subjetivo. Cuando hablamos de una “vida de perro” no solemos estar refiriéndonos a la vida de los perros sino a una vida dura o mala. Así, parece que entre algunas palabras o conceptos la connotación negativa ha aumentado considerablemente mientras que en otras, como la mayoría de las que habla la canción, han hecho el transito a la inversa.

La pregunta que nace de todo esto es; ¿qué pasará dentro de unos años? ¿Qué pasara con todos esos conceptos que ahora tenemos denostados y con aquellos que ahora nos parecen maravillosos? ¿Dónde está el bien y el mal si, en realidad, nuestra forma de entender las cosas es tan volátil? ¿Y aquellos que, por su gravedad,  consideramos que, ni siquiera, se puede bromear?

De tanto en tanto, me vienen a la cabeza dos sketches geniales hoy irrealizables. El primero de ellos es de Martes y 13 sobre el maltrato a las mujeres. Como digo, hoy sería absolutamente imposible hacer algo así;

Por último, uno sobre el suicidio de uno de los grandes entre los grandes; Joan Capri. Está en medio de un montaje y en catalán. Pero vamos, en resumen viene a reirse de las cartas de despedida y tilda a los suicidas de cobardes. Pero todo ello cargado de sentido del humor.

No niego que me incomodan, pero es parte de la esencia del chiste. ¿Por qué nos da tanto miedo tocar ciertos temas? ¿Por qué hemos de extralimitarnos? ¿Todo es tocable? Y si lo es, ¿bajo qué circunstancias lo permitimos? ¿Dónde empieza el mal gusto? Un buen puñado de preguntas difíciles de contestar.

Por cierto, si alguien recuerda algún sketch más de estas características que nos lo recuerde!

drama / peliculas

Secret Sunshine

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Valoración: 7/10

Tag line. Una mujer se agarra a la fe cuando, después de haber perdido a su marido, su hijo es secuestrado.

Breve crítica. Deliciosa en algunos momentos. Hay ratos que no sabes muy bien si queda mucho o poco por el grado de desorientación que sufres, cosa que me encanta. La interpretación es fantástica y todo está muy bien resuelto.

Género. Drama.

Director. Chang-dong Lee.

Guión. Chang-dong Lee.

Intérpretes. Do-yeon Jeon, Kang-ho Song.

Título original. Milyang.

Año de estreno. 2007

País. Corea del Sur.

accion / aventuras / ciencia ficcion / peliculas

Star Trek

star trek

Valoración: 6,5/10

Tag line. La nueva película de J.J. Abrams nos relata los inicios de los personajes de la mítica serie.

Breve crítica. Muy entretenida. En absoluto se hace larga y eso que su duración es superior a lo normal. Abrams sigue explorando el terreno del tiempo. La única gran pega es que, cara al final de la película, hay constantes deus ex machina, o sea, soluciones a dificultades casi de origen divino que diluyen la intensidad. (ver crítica de Star Trek)

Género. Aventuras y ciencia ficción.

Director. J.J. Abrams.

Guión. Roberto Orci y Alex Kurtzman.

Intérpretes. Chris Pine, Zachary Quinto, Eric Bana, Winona Ryder, Zoe Saldana, Karl Urban, John Cho, Leonard Nimoy, Anton Yelchin, Bruce Greenwood, Simon Pegg, Jimmy Bennett, Gemma Arterton.

Título original. Star Trek.

Año de estreno. 2009

País. USA, Alemania.

personal

Vídeo de Guardiola y la Champions

Hoy hace justo un mes que el Barça ganó la Copa de Europa. Pocas horas después del partido nos enteramos de que el de Sant Pedor había puesto un vídeo a sus jugadores.

Ya con la tranquilidad de haber superado las emociones de aquel partido, me gustaría analizar el vídeo como pieza motivadora.

No cabe duda que, desde el punto de vista de un jugador ya de por si cargado emocionalmente por lo que se le viene encima, el video debió tocarles, y mucho, la fibra. Según se dice, Gabi Milito, que no ha podido jugar en toda la temporada, acabó llorando.

Desde el punto de vista de tocar las emociones, el vídeo es impecable. Está bien montado, es visualmente muy atractivo, la música acompaña a las mil maravillas y las imágenes están cargadas de mucho simbolismo.

El montaje empieza casi superponiendo el estadio olímpico, donde una masa enloquecida espera a sus estrellas en un concierto con el Coliseo. Así, por tanto, la doble analogía donde, por un lado los jugadores son gladiadores y por otro la afición una comunión que les espera con los brazos abiertos, está servida.

En seguida aparece la frase “mi nombre es Gladiador”, y empieza con el tema emocional de Gladiator, combinando imágenes de los jugadores a cámara lenta remarcando lo épico de la escena. Los porteros son acompañados por el famoso plano de la mano acariciando las espigas en el film. Las paradas que salen son muy relevantes, como las de Valdés a Drogbá o el penalty que paró Pinto que les llevó a la final de la Copa de Rey (el famoso Pinto de inflexión según los de RAC1).

Destacan las imágenes donde sale Gabi Milito. Creo que es significativo que en dos de los tres planos, besen al jugador sus compañeros. Fijáos que está montado de la siguiente manera; primero le besa Valdés, corta a un plano de entreno y luego le besa Keita en el mismo partido. No me interesan tanto los jugadores como el hecho de que ha aprovechado dos imágenes de mucho cariño. El plano de en medio parece más de recurso para evitar que parezca que ha eliminado parte de la secuencia de la que ha sacado los besos que para otra cosa.

También me llama la atención la parte (sobre el 1:45) donde sale Hleb. La verdad es que ha hecho una temporada floja y no debe ser fácil conseguir imágenes de jugadas finalizadas. Para darle continuidad a las jugadas, ha juntado los planos de dos partidos. Primero regatea a un jugador del Recre y, acto seguido, a uno del Almería. Casi ni reparamos en ello. Entre los dos planos, para que “pasen” bien, hay como un flash en blanco muy rápido.

Y llega el momento del Madrid. En el minuto 2:21, en un montaje magistral con el baile de Dani Albes, empieza la odisea del 2 a 6. Asimila el Bernabeu con el Coliseo, allí donde se echaba a los pobres cristianos frente a los fieros leones. Además, lo hace en ese segundo en el que la canción se vuelve más grave. El montaje mezcla el enfrentamiento entre el gladiador, que representa la honestidad, y el emperador, que representa la corrupción, el poder, la prepotencia… y, por cierto, viste del blanco.

En ninguno de los planos ataca el emperador, sino que siempre está tomando la iniciativa Russell Crowe, cosa que en la película no pasa. Y no salen todos los goles, solo 3 (los 2 más simbólicos, el de Puyol besando el brazalete, Pique mostrando los colores y uno del renacido Henry). Los otros dos goles son del Camp Nou. Por cierto, cuando Henry marcó el gol, iban 1 a 0, pero en las imágenes pone 1-1. Es decir, ha preferido tomar la imagen de la repetición que poner un resultado adverso en la pantalla.

Y, cuando los jugadores se funden en el enésimo abrazo y Gladiator tumba literalmente al Emperador, vuelve la música emocional sobre el minuto 3:30. Llega el momento de los rezos, al “no sabemos a qué vamos a enfrentarnos…” y a la preparación de la final de Copa. Cuando la música se vuelve más épica, imágenes de diversos partidos pero, sobre todo, los de la final de Copa.

La música sube el tono hasta que llega el momento más épico de toda la temporada, el gol de Iniesta en semifinales de Copa de Europa frente al Chelsea. Pero no lo hace con la imagen que estamos acostumbrados a ver el gol. Yo creo que lo hace porque, así, el gol, se convierte en una nueva experiencia. En realidad no lo esperas porque no reconoces la jugada. Y la comunión con el publico, con esas imágenes grabadas desde un móvil.

Y con el abrazo, llega el “sueño que era Roma”. Los altavoces estallan con Nessun Dorma y las imágenes toman gravedad con los jugadores concentrados para saltar al campo y la cara de ilusión de Iniesta. Y, con todo ello, la analogía de nuevo entre gladiadores y los jugadores.

Los gladiadores saltan al campo y les impresiona lo que ven. Y, a continuación, imágenes del Camp Nou con petardos y, superpuesta, la Copa de Europa. Y la gente aplaude, pero como en un concierto, ligándolo a las primeras imágenes que vimos, como si todo hubiera sido el gran tema de un gran grupo de música.

Aunque la ejecución es brillante, creo que no consigue lo que busca. El final es demasiado sobrecogedor, impresiona, carga de gravedad al asunto. Cuando lo que hay que conseguir es justo lo que hace Al Pacino en Un domingo cualquiera. Que los jugadores chillen y tengan ganas de comerse el campo. Así, creo que el ritmo no está bien buscado del todo. Un pequeño error que, entre otras muchas cosas (e imagino que más importantes) afectara a esa salida tan floja al campo de los culers.

Me pregunto qué pasará si el año que viene el Barça llega a la gran final al Bernabeu. ¿Optarán por Sabina y el Pongamos que hablo de Madrid? ¿Y si llega también el Real Madrid? Quizás sería más adecuado la canción de Shakira Ahi te dejo Madrid. Sería muy adecuada, después del 2-6 esa parte donde dice “ahí me voy otra vez, ahí te dejo Madrid”.

Más allá de las bromas (inevitables por otra parte por lo culé que soy), he contabilizado 18 abrazos entre los jugadores, auténtico hilo conductor del vídeo. Y todos los jugadores que han marcado esta temporada han salido marcando, al menos, un gol. Sólo han quedado fuera los porteros, el lesionado Milito, y Hleb, Abidal, Pedro y Víctor.

Una pequeña pieza que creo que siempre asociaremos a Pep, a la final de Roma, y a la gran temporada blaugrana. Ya está. Ya no hago más sangre. 😉

comedia / peliculas

California Dreamin’

 

Valoración: 7/10

Tag line. Un batallón de la OTAN con la misión de llevar material secreto a Serbia se ve obligado a parar en un pueblo rumano y esperar unos papeles.

Breve crítica. La película está muy bien. Nada maniquea, habla de una realidad muy potente. Es muy descriptiva y lenta. No tiene prisa a la hora de contar la historia. Personalmente creo que le sobra mucho metraje, pero destila talento.

Género. Comedia.

Director. Cristian Nemescu.

Guión. Cristian Nemescu, Catherin Linstrum, Tudor Voican.

Intérpretes. Armand Assante, Jamie Elman, Razvan Vasilescu, Maria Dinulescu, Alexandru Margineanu, Ion Sapdaru, Alexandru Dragoi, Andi Vasluianu, Sabina Branduse, Gabriel Spahiu, Radu Gabriel.

Título original. California dreamin’ (Nesfârşit).

Año de estreno. 2008

País. Rumania.

guion y cine

El cine en color antes del blanco y negro

nosferatu

No es cierto que, cuando empezó a producirse películas fueran en blanco y negro. Ni siquiera que fueran enteras de un mismo color.

En aquella época (más o menos, hasta que apareció el sonido), las películas eran monocromas. Es decir, la grabación daba lugar a una gama de grises desde el blanco hasta el negro.  Pero tenían el problema de que la película se estropeaba con mucha velocidad.

Para evitar ese rápido deterioro, las películas eran sometidas a un proceso que alargaba su vida llamado virado. El problema es que este proceso cambiaba el tono general de la imagen. Lo que, en un principio, era una gama entre el negro y el blanco pasaba a ser del color al que la imagen era virado al blanco. Y de la necesidad hicieron virtud.

El virado empezó a aprovecharse para potenciar las emociones que transmitía la historia. Los momentos pasionales con facilidad acababan en tonos rojos, mientras que otros acababan en amarillos, verdes, azules…

Un buen ejemplo es la película que utilicé para ilustrar uno de los posts de si todo estaba contado; Nosferatu.

guion y cine

Estrenos 26 de Junio de 2009

Hoy, por primera vez en el blog, voy a tirarme de la moto diciendo qué películas creo que merece la pena ver de las que se estrenan esta semana. He de reconocer que me lo ponen bastante fácil, porque la mayoría de títulos no hay por dónde cogerlos.

No puedo negarlo, aunque pasara sin pena ni gloria por el festival de Cannes, me presta mucho ver la nueva de Francis Ford Coppola, Tetro. ¿Sabéis cuántos años hace que no disfrutamos de una película del director? Quitado el redux de Apocalypse Now, la última fue en 1997 con Legítima defensa. Además, visto el trailer, tiene pinta de tener una estética diferente. Así que me guarden una butaca en los Icaria. El tema de la película es el enfrentamiento entre dos hermanos. Y, por cierto, ha contado con Maribel Verdú y Carmen Maura.

Y me apetece también ver Mishima, una vida en cuatro capítulos, sobre este personaje histórico. Lo que me llama la antención es que la película tiene más de 20 años y creo que nunca se ha estrenado aquí (pero no estoy seguro). Así que, si no encuentro sitio en la primera, es posible que busque sitio en esta.

Y, por último, una española. A contraluz es un experimento curioso.  En realidad son tres cortometrajes muy premiados de Eduardo Chapero-Jackson. Por lo que he visto en el trailer tiene pinta de ser muy esteticista. Pero, la verdad, da gusto ver cada uno de los planos. No sé. Quizás es una buena opción.

Con la que tengo dudas es con LOL. Sí, lo sé. Tiene pinta de ser una comedia cutre de adolescentes. Y más con la campaña de marketing que están haciendo. Pero es que la Sophie Marceau me tiene el corazón robado. No lo puedo evitar.

¡Ah! Y donde podéis dar por hecho que no tenéis que buscarme es en la segunda parte de Transformers. Encima dirigida por Michael Bay, capaz de los peores bodrios. Sí, también tiene alguna que está bien. ¿Y qué?

guion y cine

LA COMEDIA DE LA VIDA

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Para desgracia nuestra, es difícil encontrar buenas comedias en el cine. Por regla general, las comedias tienden a ser de chiste fácil sin ningún tipo de acompañamiento que dé algo de profundidad a la historia. Tienden a la banalización de la comedia que trajo el subgénero ZAZ, del que algún día hablaré, que son las comedias tipo Aterriza como puedas (1980) y que toma su nombre del trío de cómicos que crearon el concepto (los hermanos Zucker y Jim Abrahams).

la comedia de la vidaEso no impide la aparición y el, casi sin querer, encuentro con una preciosa pieza como la comedia de la vida. Se trata de un conjunto de unos 20 relatos, que se entremezclan sólo con timidez, y que tratan de retratar la condición humana en un tono sarcástico y, a ratos, hasta ácido. Sin un hilo narrativo y rompiendo con los tres actos clásicos de toda obra (inicio, trama y desenlace), su creador Roy Andersson, nos retrata como seres humanos. Con nuestras bajezas, con nuestras incomprensiones, nuestras dificultades y miedos. Con nuestras virtudes y, sobre todo, con nuestros sueños.

Roy Andersson no ha hecho demasiadas películas. Apenas 4 en casi 40 años. Y he de reconocer que es la única que he visto, pero intuyo que decida mucho esfuerzo a cada una de sus piezas. Cada detalle, cada pincelada, cada minuto esta cuidado con esmero. La cámara no se mueve si no es estrictamente necesario (hay muy pocos planos y sólo conté 9 movimientos de cámara, la mayoría de ellos casi imperceptibles), lo cual demuestra el esfuerzo de síntesis y la economía de recursos puestos en la pieza.

La comedia de la vida es como uno de esos buenos cocteles. Medido, no de grandes dosis sino de pequeñas que dan matices de sabor a cada trago. La mezcla se compone de un puñado de slapstick al más puro estilo Buster Keaton, sazonado de algunos momentos que recuerdan a los Monty Python. Sobre la mezcla, vierte unas gotas de Luis Buñuel y su profundidad onírica para acabar agitándolo al suave ritmo del cine de Ingram Bergman (Dios Padre, como algunos saben que le llamo).

la comedia de la vida

Cada uno de los planos del film es un cuadro de cuidada composición. Los espacios acaban convirtiéndose en un personaje más de la historia, como la marquesina del bus o la trompa. Además, estos espacios, en función del encuadre, se convierten en un lugar distinto. El ejemplo más claro es el bar, que aparece 3 veces y en cada uno de ellos aporta un significado distinto a la situación. La vimos en el XISC, el cineclub del que os he hablado algunas veces, y en el debate posterior a la película discutíamos sobre el color. Es cierto que los colores son muy apagados y discutíamos la conveniencia de esta decisión sin llegar a una conclusión clara.

No deja de sorprender los momentos de auténtico virtusismo más propio de Hollywood que de una obra de autor europeo alejada de los circuitos comerciales. Me parece deliciosa la escena de la casa de los recién casados y lo bien que utiliza los efectos especiales sin parezcan FX, integrados en la historia, completamente justificados.

Disfrutar de uno de los títulos más brillantes, inteligentes y divertidos que he tenido la oportunidad de ver me abre la puerta a conocer el resto de films de Roy Andersson.